这种“写实”精神，似乎也是出自西方人的天性和本能。其渊源可以回溯至上古时期，例如埃及、希腊的艺术中，真实感与美感兼具的作品不在少数。埃及的艺术虽然看来公式化，他们的雕刻、绘画总是因袭着特定的模式，但是“永生”与“复活”的观念使得埃及人留下了许多栩栩如生的肖像，为的是使复活的灵魂回来时能找到本人形像得以寄托。其中最有名的例子，应属新王国时期法老王艾克纳顿的皇后内芙提提的彩绘塑像。虽说是三千三百多年前的作品，当其优雅、自信、高贵的神态，活生生的展现在现代人眼前时，还是令人有“惊为天人”的赞叹。

希腊人的艺术追求“均衡”、“和谐”的理想之美，他们在模仿自然的同时也在探索着美的原理，希望能找出永恒不变的法则。例如雕刻家波里克雷特受数学家毕达哥拉斯的启发，著作了《法规》一书，其中详尽研究了人体和事物各部分的比例关系。这也说明了为何希腊雕像总是结构准确而且形像完美。如Artemisium
Cape的宙斯（或海神）像，米罗岛的维纳斯、和米隆的掷铁饼运动员像，至今仍是雕刻中的经典之作。

而承袭了希腊艺术的罗马人学得了正确的人体结构和比例之外，更希望忠实记录当时重要人物的真实相貌和性格。这些都为文艺复兴开始的西方艺术的奠定了“写实”基础。

虽说“文艺复兴”运动（Renaissance）是古代希腊、罗马文化的“复兴”或是“再生”，事实上却是一次艺术的空前飞跃，特别是绘画上的成就是前所未有的。

古希腊哲人亚理斯多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。如果艺术的模仿能进一步达到“逼真”，甚至“以假乱真”，自然就更令人赞叹了。所以在西方，“逼真”理所当然成了艺术品优劣的判断标准之一。然而要达到“逼真”有其必要条件，成熟的媒材运用和绘画技术是不可缺少的。文艺复兴前的绘画，主要媒材以壁画、陶瓶绘，木板彩绘、马塞克等为主，虽然也不乏佳作，但是毕竟离“乱真”还有一定差距。而文艺复兴绘画超越前人的，正是这种“求真”技术的不断突破。

但是模仿自然的绘画要达到“逼真”，确实有许多要突破的困难。难就难在属于平面二度空间的绘画，却要创造出三度空间假象。因此，如何在平面上表现出空间的深度？如何准确描绘出物体不同的视角？如何表现出物体光影作用下的立体感、量感？如何表现不同物体的材质？如何使光线和空气如眼见般的自然而透明？更重要的是，如何使画中主题生动而不僵化死板……这些都是千古以来正统写实画家要面对的问题。然而，这些问题到了文艺复兴时期，似乎都逐渐获得了解决。